Film 1 of 4
Choreographed and danced by Lisa Breuker & Julia Schalitzova
Director of photography: Chriystoph Kube 

produced by Migros Museum für Gegenwartskunst, Zürich

EN

The inspiration for Delia Gonzalez (*1972 in Miami, lives and works in Berlin) recent film IN REMEMBERANCE is drawn from a passage by Henry Miller, excerpted in the diary of Anais Nin. Anais describes an afternoon with Henry Miller and proceeds to quote a passage of his writing at length: a first-person narrative detailing, a poetic process of revelation. The development of the film can be roughly broken down into two parts, the first part being a vivid description of Oberon's black wings, the second, passing through an enlightened stage of second-childhood, employs the imagery of a black spring. The title is drawn from a line in the passage: "In remembrance of the life of a child who was strangled and stifled by the mutual consent of those who had surrendered."

One of the things that interests Delia Gonzalez about Henry Miller's writing is how he can write the crudest things, and yet surprise the reader with some of the most insightful writing.

The story of the ballet in this work is a loose interpretation of the narrative arch of this passage. In part I (Oberon), the dancers in a black space, are dissolved into the mirror, and as they pass in front of each other the black costume of one obscures the other. The constant interplay between them doubling themselves, then each other in turn, is a reference to the Oberon figure. The second part involves a similar situation as the dancers move into and out of a red light flare as if moving into and out of two worlds. As the dancers leave the red light, they enter what seems to be more "true" or "authentic" lighting. This, combined with the occasional cut away to a fantastical setting, introduces the theme of the interference of reality.

DE

Im ersten Teil von 'Liv' geht es um die Lebenswelt und die Bedingtheit in der Lebenswelt, im zweiten Teil um das Ausspielen der Bedingtheit im System Ästhetik (Ästhetik ist der Ort, an dem alles Lebensbedrohliche unriskant ausgespielt werden kann.)

Bobwear nimmt Maß, schneidet Stoff und näht einen Pullover für Tom. Er passt - durch das bestimmen und anwenden von Sachverhalten. Der Handlauf des Geländers der Schwimmhalle hat die richtige Höhe und die Angel ist extrem leicht und stabil, das perfekte Werkzeug für den Survival Trip in Mecklenburg-Vorpommern. Sachverhalte werden formuliert und an ihrer Funktion überprüft: das ist die Lebenswelt.

Chris spielt für 100 Euro einen neuen Song ein, Sabine will Videos drehen und für 20 Euro an Freunde verkaufen, die dafür aber bestimmt keine 20 Euro ausgeben werden. Tom leiht sich Geld - in zwei Monaten kann alles schon wieder ganz anders aussehen. Sabine hält Balance mit Toms "Klein" Mountainbike und Jette schläft ein: das ist "Bedingtsein" in der Lebenswelt.

Im dritten Kapitel wird "Bedingtsein" verlassen. Sabine gegen Marc, sie verliert die Kontrolle. Paare leben unverbundene Leben. Marc beschreibt die Funktion einer Handgranate. Und man könnte, wenn man wollte, den Stift wieder zurück stecken und die Granate wäre gesichert, aber wir stecken den Stift nicht zurück.

Kapitel 4 des 2 Teils zeigt Formen von Behaupten. Es geht um Positionieren, Aufladen, Handeln. Sabine bildet im Tannenwald eine Horizontale. Auf einer Lichtung steht Marc und zittert: das ist Aufladen. Sabine installiert eine instabile Ebene auf dem Autodach, es geht um Bildbehauptung.

Im letzten Kapitel kommt alles Lebensbedrohliche wie Lügen, Schlagen, Sich Zerstören und Sich Selbst Verlassen in die Ästhetik. 'Liv' setzt Lebenswelt und Ästhetik ohne Besser/-Schlechterwertung in Beziehung, um ein Hin- und Hergehen zwischen den Welten zu erleichtern.

DE

Die Psyche der Menschen, der Spannungsbogen des gegenseitigen Verstehens und Nicht-Verstehens sowie die Frage nach kulturellen Differenzen bestimmen die Arbeiten und das Denken der Niederländischen Künstlerin Mathilde ter Heijne (*1969).

Ihr Thema ist die Selbstaufopferung für die eigenen wie propagierten Ideale, für die Liebe oder für die eigene Nation. Distanziert und kompromisslos arbeitet sie an den Grenzen von gesellschaftlichem und individuellem Handeln und kulturellen Differenzen. So untersucht sie den Begriff und die Erwartung der Liebe in unterschiedlichen geographischen Weiten, die Integrationsversuche in unseren westlichen Breitengraden oder wie weit Dogmatismen in der Politik sich auf das individuelle Handeln auswirken.

Ter Heijne verknüpft Fiktion und Dokumentationsmaterial zu einer brüchigen Narration. Diese benutzt sie, um den Betrachter in ebenso instabile Realitäten zu involvieren. Die Kunst bietet hier die nötige Alltagsdistanz, die es ermöglicht, die Konfrontation aufrecht zu erhalten. (Heike Munder)

EN

The work of the artist Mathilde ter Heijne (*1969) from the Netherlands deals with the mind of humans, the arc of suspense of understanding und not-understanding, it as well raises questions about cultural differences.

Her subject is the self-sacrifice of her own and other idols, of love and of the nation. She works distanced and incompromising on the limits of social and individual actions and cultural differences. She examines the term and the expectation of love in different geographical locations and the different approaches to integration in the western society. How far do the dogmatism in politics have an effect on the individual acting?

Ter Heijne creates a brittled narration by combining fiction and documentation material. She uses it, in order to involve the spectator in instable realities. The art offers the required distance to everyday life which enables it to obtain the confrontation. (Heike Munder)

FR

L'oeuvre de l'artiste néerlandaise Mathilde ter Heijne (née en 1969) se confronte à l'âme humaine, au suspense lié à la compréhension ou la non compréhension des autres et soulève aussi des questions sur les différences culturelles.

L'artiste se concentre sur le sacrifice de ces propres idoles et de celles des autres, de l'amour et de la nation. Avec recul et sans compromis, elle travaille sur les limites des actions sociales et individuelles. Elle examine les modalités et les attentes liées à  l'amour dans des endroits géographiques variés et se propose de voir comment ces comportements s'intégrent dans la société occidentale. Jusqu'où le dogmatisme politique a un effet sur l'action individuelle?

Ter Heijne crée une narration fragile en conjugant fiction et matériau documentaire. Elle utilise la narration pour impliquer le spectateur dans des réalités instables. L'art offre la distance nécessaire à la vie quotidienne ce qui permet d'obtenir la  confrontation. (Heike Munder)

DE
 

Auf verlassenen Planeten und verlorenen Posten, auf Umlaufbahnen rund ums Nichts: Die Kopffüßler und Schneemänner, die Rucksack- und Radmänner, die algigen, goldenen, schwitzenden Gestalten, die schneckenartigen, insektengleichen, engumwickelten Wesen aus dem Kosmos Marc Aschenbrenners (geboren 1971 in Linz, Österreich) bewegen sich in geschichtslosen Räumen. Sie sind einsam. Sie empfinden, aber nicht immer erkennt man Gefühle. Jeder Moment ist ein Zustand. Entweder sie kämpfen blind gegen die Gewalten an, die an ihnen zerren, oder sie ergeben sich den Elementen und schweben, schwimmen, sterben ganz in ihnen. Und manchmal nur das Atmen als einziges Lebenszeichen und Ausdruck größter Verlassenheit. So wie ein Astronaut, der durch den Weltraum gleitet und nur noch das Ein und Aus seines Atems hört in der allumfassenden Stille. 

Marc Aschenbrenner studierte Malerei, experimentierte schon früh mit Super-8-Technik und wandte sich mehr und mehr dem Video zu. Ob in Film, Performance oder Zeichnung - zunächst und vor allem fragt der Künstler mit seinen Arbeiten danach, wie ein Mensch zu Bild und Figur wird, wie also die Figur entsteht und sich auflöst, wie sie eine Symbiose mit dem Raum eingeht. "Ich versuche, formal so einfach wie möglich zu arbeiten und auf Unwesentliches zu verzichten", sagt der Künstler. 

Die Welt als Narrenschöpfung, der Körper als Marionette, Klaustrophobie und Einsamkeit - in den Arbeiten Marc Aschenbrenners drückt sich viel mehr aus als nur ein regressiver, antimoderner Impuls, mehr als bloße Existenzphilosophie. Hier klingt auch das ketzerische Lebensgefühl der Gnosis an, das bereits der christlichen Urkirche zu schaffen machte: das fundamentaldissidente Wissen davon, dass man zwar in der Welt ist, aber nicht von ihr. Die Polemik, dass kein liebender Gott das Universums geschaffen hat, sondern ein Dämon. Dass aber etwas in der Seele des Menschen leuchtet, das das Zeug zum Aufstand gegen die Welt besitzt. Etwas, das die Welt entzünden könnte. (Daniel Völzke)

FR

Sur les planètes abandonnées et dans les lieux perdus, sur des orbites tournant autour du rien, l'énorme tête verte et les bonhommes de neige, les hommes sac-à-dos et les hommes-roues, les êtres recouverts d'algues, dorés et transpirants, ceux qui ressemblent aux escargots et ceux qui s'apparentent à des insectes, tous ces personnages révélés par l?imagination de Marc Aschenbrenner (né à Linz, Autriche en 1971) évoluent dans un cosmos délinéarisé.  Ils sont seuls. Ils sont pourvus de sentiments, mais le plus souvent ce sont des émotions incompréhensibles. Soit ils luttent aveuglément contre les actes violents qui les déchirent, soit ils se soumettent aux éléments, se laissent guider, se dissolvent en eux.  Parfois, il n'y a qu'un souffle : un signe de vie esseulé, expression de l'ultime abandon. Comme l'astronaute qui voyage dans l'espace et n'entend que sa propre respiration dans le silence.

Marc Aschenbrenner a étudié la peinture avant de commencer assez tôt à manipuler la Super 8  et de s'adonner pleinement à la vidéo. Que ce soit à travers le film, la perfomance ou le dessin, l'artiste pose avant tout la question de la transformation de la personne physique en image. Comment le personnage se créé et se désintègre à la fois, comment la symbiose avec l'espace survient. «J'essaye de travailler le plus simplement possible, de retirer ce qui n'est pas essentiel ».

Le monde comme une création de fous, le corps comme une marionnette, la claustrophobie et la solitude : les travaux de Aschenbrenner nous renvoient à bien plus qu'une pulsion regressive et anti-moderne, à plus qu'une simple philosophie existentialiste. Voici une allusion à la doctrine des gnostiques ayant détruit l'Eglise chrétienne originelle : l'hypothèse fondamentale et dissidente selon laquelle nous sommes de passage sur Terre sans appartenir au monde. L'idée polémique selon laquelle aucun Dieu dépourvu d'amour n?aurait pu créer l'univers, mais plutôt un démon malveillant. Mais qu'il y a une lumière au coeur de l'âme humaine qui peut s'élever contre le monde. Quelque chose qui pourrait animer le monde. 

EN

On abandoned planets and lost posts, on orbits around nothing: the giant green head and snowmen, the backpack and wheel people, the algae-covered, golden, sweating figures, the snaillike, insect-like, tightly-wound creatures from Marc Aschenbrenner's (born in Linz, Austria 1971) cosmos move within unstoried spaces. They are lonely. They feel, but their feelings are often unrecognizable. Every moment is a condition. Either they blindly fight against the violent acts that tear at them, or they surrender to the elements and float, swim, completely die in them. And sometimes, there is only breathing -  as the sole sign of life and the expression of ultimate abandonment. Like an astronaut who glides through space and can only hear himself inhale and exhale in the all-encompassing silence. 

Marc Aschenbrenner studied painting; then experimented quite early with Super 8 film techniques and increasingly turned to video. Whether in film, performance or drawing, the artist asks first and foremost how a person becomes an image and a figure, i.e how a figure is created and disintegrates, how a symbiosis occurs with the space. "Formally, I try to work as simply as possible and remove the inessential" says the artist. 

The world as a creation of fools, the body as a marionette, claustrophobia and loneliness: Aschenbrenner's work expresses much more than simply a regressive, anti-modern impulse, more than mere existential philosophy. Here is a hint of the heretical life attitude of gnosis that already destroyed the original Christian church: the fundamental-dissident knowledge that one is in the world but not of it. The polemical claim that no loving god could have made the universe, but rather a demon. But that there is something of light in the human soul that has the stuff to take a stand against the world. Something that could spark the world. (Daniel Völzke)

Filmed and edited at MARCO Museum, Vigo, Spain 2006.
By & with: Anat Ben-David, Kathi Glas, Melissa Logan, Alex Murray-Leslie and A.L. Steiner.

DE

Die Studios Chicks sind die Bühnen, Institute, Straßen, Theaterhäuser, Buden und Paläste weltweit. Die Hohe Kunst wird selten so dreckig dargestellt, wobei die niedrige Kunst hier immer hohe Kunst bleibt, mit oder ohne Klamotten. Diese beiden Elemente werden audiovisuell miteinander verbunden und  schaffen eine einzigartige Performance der Chicks on Speed.

Alle Beteiligten von Chicks on Speed: Kathi Glass (Designerin & Performerin), Anat Ben-David (Performer / Doktorand im Bereich Musik), Krõõt Juurak (Kein-Choreograf), Merche Blasco (High-Tech-Referent), Faustine Kopiejwski (Journalist und Performer) A.L. Steiner ( Aktivist N.Y.) Deborah Schamoni (Film), Nadine Jessen (Dramatoguette) Douglas Gordon (Kunst-Star Berlin/N.Y.), Chie Ito (Art Direktor, Strange Kinoko Dance Company) Karl Lagerfeld (Der Mode-König) and Yves Klein (irgendwie Teil der Gruppe).

Melissa Logan und Alex Murray-Leslie gründeten 1997 Chicks on Speed nach Abschluss der Kunst-Akademie in München. Ihre ersten Projekte waren Zeichnungen und Collagen, später jedoch arbeiteten sie vorwiegend mit Installationen und Performance, wie beispielsweise Seppi Bar, ein Kabaret Voltair - inspiriert von illegalen Untergründen mit Performance und Installationen. Das Projekt war für sie eine Inspiration ebenso Musik zu machen.

Chicks on Speed haben viele Entwicklungen durchgemacht: Als sie 2004 anfingen, war ihre Zusammenarbeit mit Künstlern, Freunden, Groupies von einer offenen Struktur geprägt. Sie verzichteten bewusst darauf Cutter, Fotografen, Musiker und Modedesigner einzustellen. Diese flexible und offene Gruppenstruktur ermöglichte es ihnen sich von traditionellen Genres zu lösen und eine eigene künstlerische Ausdrucksweise im Bereich Design, Installation, Popmusik und Performance zu entwickeln.

Ausstellungen und Performance: Palais de Tokyo, MOMA, BOZAR, CAC Vilnius, MOMAK, Dundee Contemporary Arts, Tate Britain, Pompidou.

EN

The Chicks studios are the stages, institutes, streets, theaters, shacks & palaces around the world. The High Art has seldom gone so messy & the Low is always high, dressed up or without dress at all, mixed into a Audio with Visual triggering of the loops & cut up performances one could ask " where are the shackles?"

The extended Chicks on Speed group: Kathi Glass (Designer & Performer), Anat Ben-David (Performer / PHD researcher for music), Krõõt Juurak (No-Choreographer), Merche Blasco (High tech intervener), Faustine Kopiejwski (Journalist and performer) A.L. Steiner ( Artivist N.Y.) Deborah Schamoni ( Film), Nadine Jessen (Dramatoguette) Douglas Gordon (Art Star Berlin/N.Y.), Chie Ito (artistic director, Strange Kinoko Dance Company) Karl Lagerfeld (The King of Fashion) and Yves Klein (somehow part of it).

Chicks on Speed are Alex Murray-Leslie and Melissa Logan.

In 1997 Melissa Logan & Alex Murray-Leslie founded Chicks on Speed behind the art Academy in Munich. Their first collaborative pieces were large scale drawings & collages but the work soon became installations & performances, Seppi Bar, a Caberet Voltair inspired illegal, underground, drinking hole with performances & 
installations was an important early project which soon lead to making music.

Chicks on Speed have gone through various formations, starting around 2004 the collaborative work with artists, friends, groupies took on a collective structure, rather then the typical practice of employing video editors, photographers, musicians & fashion designers formed a flexible and changing clan, pioneering a artistic output disregarding traditional genres and working in the fields of design, installation, pop music, performance and developing what are called Objekt Instruments.

Exhibitions & Performances include: Palais de Tokyo, MOMA, BOZAR, CAC Vilnius, MOMAK, Dundee Contemporary Arts, Tate Britain, Pompidou.

FR

Les studios Chicks sont des scènes, instituts, rues, théâtres, et palais dans le monde entier. D'un côté, le "High Art", l'art qui reçoit l'estime de tous et de l'autre, le "Low art", l'art populaire, la "basse culture". Mélangez ces deux mouvements dans une frénésie Audio/Visuelle et obtenez les Chicks on Speed. Ce qui les amènent à se poser la question: "Nous sommes nous libérées de nos fers ?", sont-elles libres de leur rapport à la culture ?

Une grande étendue du groupe Chicks on Speed : Kathi Glass (Designer et Performer), Anat Ben-David (Performer / chercheur PHD pour la musique), Krõõt Juurak (Non-chorégraphe), Merche Blasco (Intervenant High tech), Faustine Kopiejwski (Journaliste et performer), A.L. Steiner (Artiviste N.Y.) Deborah Schamoni (Film), Nadine Jessen (Dramatoguette), Douglas Gordon (Artiste star Berlin/N.Y.), Chie Ito (Directeur artistique, Strange Kinoko Dance Company), Karl Lagerfeld (Le dieu de la mode) et Yves Klein (Du moins une partie de lui).

Les Chicks on Speed sont constitués de Alex Murray-Leslie et Melissa Logan.

En 1997 Melissa Logan & Alex Murray-Leslie fondèrent les Chicks on Speed après la Star Academy de Munich. Leur premières pièces collaboratives étaient des dessins et des collages de grande échelle mais plus tard leurs travaux deviendront des installations et performances comme Seppi Bar, un cabaret inspiré de Voltaire clandestin, sous terrain, avec des performances et

installations. Un projet important qui les conduira à faire de la musique.

Les Chicks on Speed ont parcourus diverses formations. Elles ont commencés en  2004 une collaboration avec des artistes, amis, groupies, plutôt des employés d'édition vidéo, photographes, musiciens et stylistes, formant une équipe flexible et changeante. Les pionniers d'une production artistique, sans tenir compte des genres traditionnels dans les domaines du design, de l'installation, de la musique pop, performance et développement de ce qu'elles appelent les instruments "Objekts".